Arte en videojuegos: la música

Tras horas de juego en el extenso mundo abierto de Red Dead Redemption, Jhon Marston llega por fin a México, a esa meseta polvorienta y agrietada. Se acerca al caballo que hay allí atado y, cuando empiezas a cabalgar hacia el enorme desierto que se extiende ante ti bajo un sol abrasador, ocurre un momento mágico: una guitarra solitaria y la voz de José González en ‘Far Away’ comienzan a sonar.

La canción acompaña al jugador pero también articula la esperanza de Marston de reunirse de nuevo con su familia y, por fin, dejar su pasado atrás, mientras el vasto paisaje del desierto enfatiza la distancia física y simbólica de su redención. Ese momento es un claro ejemplo de cómo la música en videojuegos no es un simple complemento: es un narrador invisible que da forma a la experiencia, dirige la emoción y refuerza la identidad del personaje.

Breve historia de la música en videojuegos

En los inicios de los videojuegos, la música era secundaria, más que nada por las limitaciones técnicas de las consolas y arcades. En aquel momento se utilizaba algo conocido como sonido ‘monofónico’ que es aquel que solo puede producir una nota o sonido a la vez y aunque puede parecer bastante limitante, compositores como los de Space Invaders o Pac-Man supieron convertir esas restricciones en melodías icónicas.

Con el auge de consolas de 8 y 16 bits nació el chiptune, un estilo basado en microchips que generaban sonidos simples pero distintivos. Clásicos como Super Mario Bros. y The Legend of Zelda (ambos del compositor Koji Kondo), Mega Man 2 (Takashi Tateishi), o Castlevania (Kinuyo Yamashita y Satoe Terashima), demostraron cómo la creatividad podía superar las limitaciones técnicas, dando lugar a melodías inolvidables que aún perduran en la cultura de los videojuegos de hoy en día.

La tecnología siguió avanzando y, con la llegada del CD-ROM, también llegó el momento de la música orquestal y las grabaciones de alta fidelidad. Series como Final Fantasy (Nobuo Uematsu) y The Elder Scrolls (Jeremy Soule) llevaron las bandas sonoras a niveles cinematográficos. El CD-ROM también permitió la inclusión de música licenciada, como en Tony Hawk’s Pro Skater o GTA: Vice City, integrando la música en la identidad cultural del juego.

Hoy, la música digital ofrece libertad creativa casi total y ha evolucionado más allá del juego gracias al streaming, convirtiéndose en parte del repertorio cotidiano de muchos jugadores y oyentes. Composiciones como las de The Witcher 3: Wild Hunt (Marcin Przybyłowicz) se disfrutan tanto dentro como fuera del juego, mientras que la música adaptativa permite que bandas sonoras como la de Red Dead Redemption 2 responda a las acciones del jugador: sutil en momentos tranquilos, intensa en tiroteos, generando experiencias únicas e inmersivas que redefinen la relación entre jugador y sonido.

Tipos de música en los videojuegos

La música en los videojuegos puede clasificarse según su función narrativa y su relación con el jugador. Más allá del estilo o género, lo que define su papel es cómo se integra en la experiencia y qué propósito cumple dentro del mundo del juego.

• Música diegética: Aquella que existe dentro del mundo del juego y que los personajes pueden escuchar. Serían las radios de Grand Theft Auto o los bardos en The Witcher 3: Wild Hunt. Este tipo de música refuerza la credibilidad del entorno y la inmersión del jugador.
• Música extradiegética: Acompaña al jugador sin pertenecer al mundo del juego. Se trata de la banda sonora que guía las emociones y marca el tono de cada escena, como las composiciones de The Last of Us o Final Fantasy. Es un lenguaje invisible que da forma a la experiencia sin necesidad de tener una explicación dentro del universo ficticio.
• Música adaptativa: Se ajusta en tiempo real a las acciones o decisiones del jugador. Bandas sonoras como la de NieR: Automata están construidas en capas que se activan o desactivan dinámicamente, transformando la música en un elemento vivo que reacciona al ritmo del juego.

Además, existen experiencias híbridas en las que la música forma parte del propio gameplay, como en Guitar Hero, Hi-Fi Rush o Metal: Hellsinger, donde tocar, seguir o reaccionar al ritmo musical es parte del desafío. En esos casos, la música es el juego.

La música como narradora

La música en videojuegos cumple múltiples funciones: guía y acompaña las acciones del jugador, refuerza la identidad de los personajes, y establece la atmósfera del mundo. 

En títulos narrativos como The Last of Us (2013), Gustavo Santaolalla utiliza composiciones minimalistas que transmiten el peso emocional del mundo postapocalíptico. Temas como Vanishing Grace o The Path (A New Beginning), refuerzan la historia y traducen la vulnerabilidad de Ellie y Joel en sonido. Cada cuerda tensa o acorde suspendido convierte el silencio en emoción, haciendo que el jugador sienta en las notas la historia que está viviendo. 

Por otro lado, en experiencias abiertas como Minecraft, la música adquiere un papel completamente distinto. El compositor C418 diseñó un paisaje sonoro ambiental y emocionalmente resonante, que se reproduce de forma aleatoria pero no arbitraria, para acompañar la creatividad y la exploración. Aún sin responder directamente a las acciones del jugador, las melodías parecen coincidir de forma mágica con lo que ocurre en el juego. Piezas como Sweden o Subwoofer Lullaby se asocian a momentos de paz y calma: una construcción, un amanecer o una simple pausa. Conseguir ese nivel de conexión emocional con música que podría sonar en cualquier momento demuestra la maestría de C418 al capturar la esencia contemplativa y creativa del juego. Aquí, la música no narra una historia, sino la experiencia interior del jugador: su calma, su curiosidad, su imaginación.

En los juegos de la saga Souls, la mayor parte del tiempo, el jugador avanza en un silencio intencional, acompañado solo por sonidos ambientales (el eco de los pasos, el crujir de la armadura), lo que refuerza la sensación de soledad, peligro y vulnerabilidad. Este uso del silencio es parte del diseño.

La relevancia cultural de estas composiciones ha trascendido al ámbito digital. Conciertos como Video Games Live! o los organizados por la Film Symphony Orchestra reinterpretan las bandas sonoras de videojuegos con orquestas sinfónicas y espectáculos visuales, permitiendo que piezas de The Legend of Zelda, Final Fantasy o World of Warcraft se disfruten en auditorios repletos de público. Además, gracias a plataformas de streaming, muchas personas escuchan estas bandas sonoras en su día a día. 

Incluso en entornos académicos, estas partituras han comenzado a reconocerse por su complejidad y valor expresivo. Muchos programas universitarios de música interpretan arreglos de videojuegos, como Civilization IV (‘Baba Yetu’ fue la primera pieza musical de un videojuego en ganar un Grammy a ‘Mejor Arreglo Instrumental con Acompañamiento Vocal’) o Kingdom Hearts, por su riqueza técnica y emocional. 

Finalmente, investigaciones recientes muestran que la música y el diseño de sonido contribuye a la ‘inmersión narrativa’, fortaleciendo la conexión emocional del jugador con los personajes y reforzando la memoria de la experiencia (‘Exploring the Impact of Ambient and Character Sounds on Player Experience in Video Games’, Haehn, Schlittmeier & Böffel, 2024). 

Último compás

La música en videojuegos ha recorrido un largo camino, ha pasado de simples pitidos hasta orquestaciones complejas capaces de transmitir emociones y dar forma a mundos. Preguntarse por la música en los videojuegos es preguntarse por cómo sentimos, actuamos y vivimos cada experiencia, y entender que, a veces, una melodía puede ser tan memorable como la historia a la que acompaña.

Existen verdaderas obras maestras que todo amante de la música debería escuchar al menos una vez: la épica banda sonora de The Elder Scrolls (Jeremy Soule), la intensidad de Dragon Age (Inon Zur), la belleza minimalista de Journey (Austin Wintory), prácticamente cualquier Final Fantasy (Nobuo Uematsu), los clásicos de The Legend of Zelda (Koji Kondo), Hollow Knight (Christopher Larkin), Mega Man 2 (Takashi Tateishi y Manami Matsumae) y Super Mario (Kōji Kondō). Cada una de estas composiciones demuestra cómo la música no solo acompaña, sino que define y moldea la experiencia de juego.

Actualmente, los videojuegos son reconocidos como arte, y gran parte de ese reconocimiento viene dado por la música. Incluso compositores consagrados de cine, como Hans Zimmer (Dune, Interstellar, Piratas del Caribe), han trabajado en videojuegos como Call of Duty: Modern Warfare 2.

Porque, al final, una buena historia puede hacernos jugar pero es la melodía la que nos hace recordar.